Alucarda: la película olvidada que se convirtió en emblema del cine de terror mexicano
Fuente:
21 de Agosto del 2019 DeMemoria: https://www.dememoria.mx/entretenimiento/espectaculos/alucarda-la-hija-de-las-tinieblas-pelicula/
El cine de terror mexicano nos dio grandes obras, desde el terror chistoso en las películas de El Santo, hasta el terror que te hiela los huesos de las obras de Juan López Moctezuma, un director mexicano que se merece todos nuestros insomnios sólo por Alucarda.
L'Ange (1982/Bokanowski)
Fuente:
15 de Septiembre del 2005 Informe del Festival L'Etrange (París, septiembre del 2005) Screenville: http://screenville.blogspot.com/2005/09/lange-1982bokanowski.html
Las palabras son incapaces de describir las impresiones visuales del cine, más aún cuando no se pueden hacer referencias a convenciones y clichés conocidos. Esta pieza de Avant Garde es un viaje hipnótico construido sobre un stacatto claro / oscuro, descomposición precortada cuadro por cuadro, acción recurrente, repetición y variación. Un maravilloso trabajo sobre la textura de la iluminación en un tono sepia y un ensamblaje de edición preciso. Este montaje de una hora de duración se divide aproximadamente en una instalación de 5 veces, examinando 5 escenas diferentes con los mismos experimentos técnicos. Completamente silencioso con una partitura adicional compuesta por su esposa Michèle Bokanowski, para un cuarteto de cuerdas de música concretas.
Daliás Idök (József Gémes,1983) Heroic Times
Fuente:
6 de Febrero del 2010 por Elchinodepelocrespo esperantoapaulto : http://esperantoapaulpot.blogspot.com/2010/02/dalias-idok-jozsef-gemes1982-aka-heroic.html
Fue allá por febrero de 2007, el segundo mes de vida de este blog, cuando le dediqué una breve entrada al estudio húngaro PannóniaFilm así como a algunas de sus producciones (las que pude agenciarme en dvd durante una breve visita a Budapest). Examinado con más detalle la página oficial del estudio (que por alguna razón falla mientras escribo estas líneas), me fijé en un largometraje. La foto que acompañaba la descripción (la que ilustra este párrafo a la izquierda) me llamó poderosamente la atención, así que decidí investigar más sobre el título en cuestión... Sin éxito. La obra no era otra que la misma que da título a esta entrada: Daliás idők, dirigida por József Gémes en 1983, conocida internacionalmente como Heroic Times. Recuerdo que un internauta, probablemente húngaro, me hizo algunas correcciones en la ortografía de algunos títulos escritos en aquella entrada sobre Pannónia y que aproveché para preguntarle sobre Dálias, si la conocía y si sabía dónde la podía conseguir. La había visto por la tele alguna vez, pero no tenía un recuerdo especialmente grato de ella. Poco más pude sacar en claro. Después de rastrearla durante un tiempo la olvidé, anhelando que más temprano que tarde una edición en dvd o un milagroso ripeo se cruzara en mi camino. Y he aquí que el otro día me llevo una grata sorpresa en el foro de Surreal Moviez al ver que un estudiante de animación húngaro del propio estudio PannóniaFilm nos ha obsequiado con un ripeo de la única copia existente hasta la fecha para formato doméstico, es decir, una captura de un pase en televisión. En húngaro y sin subtítulos, pero qué demonios importa eso.
1981- HEAVY METAL – Gerald Potterton
Fuente:
21 de Junio del 2019 Un universo de ciencia ficción: http://universodecienciaficcion.blogspot.com/2019/06/1981-heavy-metal-gerald-potterton-1.html
La revista “Metal Hurlant” la fundó en Francia en 1975 un grupo de autores de comic deseosos de buscar nuevos caminos expresivos en la ciencia ficción sin las ataduras que imponían las editoriales tradicionales de ese país. No entraré a glosar aquí los méritos y trayectoria de esa publicación dado que ya se ha hablado de ello en otras entradas, pero sí es necesario recordar que su éxito no pasó desapercibido para el editor Leonard Mogel, que a mediados de los setenta se encontraba en París para promocionar el lanzamiento de la versión europea de la revista satírica norteamericana “National Lampoon”. Fascinado por la calidad y osadía gráfica de los autores que participaban en la misma, Vogel lanzó en abril de 1977 una versión para el público patrio titulada “Heavy Metal”. Aunque empezó nutriéndose de traducciones de las obras de autores franceses, pronto pasaría a incluir también comics originales de artistas americanos. La cabecera pronto se hizo famosa por su énfasis en el contenido adulto y sus representaciones algo psicodélicas de mundos y seres alienígenas.
“Los perros de la plaga”, una desoladora historia de maltrato animal
Fuente:
14 de Junio del 2019 Por Israel Yerena Cine Oculto: https://cineoculto.com/2019/06/los-perros-de-la-plaga-un-desoladora-historia-de-maltrato-animal/
Seres inocentes envueltos en un suave pelaje que sólo irradian pureza, inocencia y amor, es sólo una pequeña y muy indigna descripción para todo lo que pueden llegar a ser aquellos animales conocidos simplemente como “perros”, quienes mediante sus actos y cariño incondicional a menudo son víctimas del más despiadado comportamiento humano. Ejemplo de ello es la cinta animada Los perros de la plaga (1982), escrita y dirigida por Martin Rosen.
En los primeros segundos los subtitulo no son legibles pero se arreglan en los primeros 10 segundos
Midori-ko (緑 子, 2010)
Fuente:
27 de Mayo del 2011 Catherine Munroe Hotes Nishikata Film Review: https://www.nishikata-eiga.com/2011/05/midori-ko-2010.html
Las obras grotescas y pictóricas animadas de Keita Kurosaka (黒 坂 圭 太, n. 1956) se desarrollan de maneras sorprendentes e inusuales. La primera sorpresa en la esperada película de Kurosaka, Midori-ko (緑 子, 2010) es el lindo y colorido estilo de la escena de apertura. Como si viéramos una animación infantil de NHK, nos presentan a la joven kawaii Midori-chan y aprendemos que le encanta comer verduras. La carne la rechaza, porque no puede soportar pensar en el sufrimiento de los animales.
Death and the mother - Ruth Lingford (1997)
Fuente:
8 de diciembre del 2013 N+2: http://nmasmas2.blogspot.com/2013/12/death-and-mother-ruth-lingford-1997.html
Negro y blanco, grabado de madera de animación en la que se cuenta la historia de un bosque remoto, y en él la muerte, disfrazada, pide a una mujer a su hija bebé. Cuando la madre se da cuenta de la identidad real de su visitante y su intención de reclamar a su hija, trata de evitar lo inevitable. Finalmente, ella acepta su destino cuando se descubre una ventana a su futuro. (abandomoviez)
Rabbits: el macabro secreto de Lynch
Fuente:
31 de Marzo del 2013 Lector Metálico: http://lectormetalico.blogspot.com/2013/03/rabbits-el-macabro-secreto-de-lynch.html
Los secretos compartidos en muchos casos pueden desencadenar paranoias, hacer un infierno de aquellos que son parte del oculto hecho. El afamado y polémico director cinematográfico David Lynch en el año 2002 realizó uno de los films más perturbadores en la historia del cine, me refiero a Rabbits protagonizada por: Scott Coffey , Rebekah del Rio, Naomi Watts y Laura Harring.
Watership down (1978)
Orejas largas, ojos bien abiertos y mente amplia
Fuente:
3 de Enero del 2019 Raúl Melero CinemaCamp: https://cinemacamp.es/orejas-largas-en-watership-down-1978/
El relato Watership down de Richard Adams fue publicado en noviembre de 1972, apenas seis años antes de que se estrenara la película que presentamos aquí. Posteriormente, tendría dos adaptaciones seriadas. Una, coproducción entre Reino Unido y Canadá entre los años 99 y 2001, y una más reciente, para Netflix, cuyo trailer se estrenó en diciembre de 2018, treinta años después.
Comment Wang-Fo fut sauvé / La prisonnière (René Laloux, 1987 / 1988)
Fuente:
12 de Diciembre del 2013 Por: Nikola Gocić NGBOOART: http://ngbooart.blogspot.com/2013/12/comment-wang-fo-fut-sauve-la.html
La fantasía alegórica Comment Wang Fô fut sauvé (Cómo fue rescatado Wang-Fo, 1987) y el misterio fantasmagórico La prisonnière (Prisionero, 1988) se crearon en el set de filmacion del brillante director René Laloux (1929-2004). A pesar de su brevedad, el corto muestra en gran talento y logro de este mago francés, no solo en términos de estilo, sino también en su maravilloso contenido.
COMO LA VIDA MISMA: CUENTOS DE TOKIO, DE YASUJIRÔ OZU
Fuente:
3 de Noviembre del 2016 Juan Carlos González A. Tiempo de Cine: https://www.tiempodecine.co/web/como-la-vida-misma-cuentos-de-tokio-de-yasujiro-ozu/ “Las historias de Ozu son arrancadas de la vida cotidiana, sin grandes momentos dramáticos, como si la vida misma fuese la que dictara la trama”.
Maximiliano Maza
Esa familia no se toca, no se abraza, no se besa, no muestra ningún signo de cariño, tal como estamos acostumbrados a expresar. Hay en ellos un respeto excesivo, una distancia extrema y por momentos incómoda, que es la misma de la película donde están inmersos. Esa familia es la habitante de Cuentos de Tokio (Tōkyō monogatari, 1953), la perla del shomin-geki, el género de cine nipón que trata de la vida de la gente del común, de la clase media baja japonesa, y que Yasujirô Ozu inmortalizó para nosotros.
Crítica: “Las trillizas de Belleville”: La gran animación
Fuente:
10 de abril del 2014 Héctor Pintado HelloFriki: https://www.hellofriki.com/critica-las-trillizas-de-belleville-la-gran-animacion/
Resulta indiscutible que Sylvain Chomet es – a día de hoy- uno de los directores de mayor prestigio y reconocimiento dentro del mundo de la animación. Su reciente participación en uno de los opening de “Los Simpsons” no ha servido sino para confirmarlo y dar un paso más – un paso de gigante- en la difícil tarea de llegar a un gran público más tendente al entretenimiento comercial. Porque lo que hace este francés se llama arte, y ya sabemos que no es sencillo triunfar con el arte en un medio saturado de productos prefabricados y fuegos artificiales. El hito logrado por Chomet reposa en dos aspectos fundamentales: el primero es el haber conseguido imprimir un sello distintivo a su obra, lo que le ha permitido destacar sobre los demás. El segundo punto – y quizás el más importante- es haber logrado captar la atención de una crítica que lo ha colmado de premios y nominaciones de gran prestigio desde los primeros instantes de su carrera.
Din of Celestial Birds de E. Elias Merhige
Fuente:
11 de enero del 2016 Roman James Hoffman The Third Eye: http://www.thethird-eye.co.uk/din-of-celestial-birds-by-e-elias-merhige-2/ "Recordar nuestro origen": una meditación surrealista sobre la creación y la conciencia
La película experimental Din of Celestial Birds (2006) del cineasta estadounidense E. Elias Merhige es la segunda parte de una trilogía de películas aún sin terminar, la primera parte es su atrevida y visionaria película de debut Begotten . La mayoría de las personas que vienen a Din of Celestial Birds habrán visto Begotten y presumiblemente esperan más de las imágenes horripilantes e inquietantes que distinguen el estilo de esa característica, sin embargo, a medida que comienza la película, nos tranquiliza " No tengas miedo ... Consuélate ... Recuerda ... Nuestro origen ... " .
El Apando: la historia que denunció la miseria de las cárceles mexicanas
Fuente:
15 de agosto del 2019 De Memoria: https://www.dememoria.mx/entretenimiento/el-apando-carceles/
El Apando de José Revueltas
La historia original de esta cruenta película sobre el sistema carcelario de nuestro país, en especial el legendario Palacio Negro, es decir el penal de Lecumberri, fue escrita por José Revueltas en 1969 y recoge su experiencia como reo del siniestro lugar al ser detenido por su participación en el Movimiento Estudiantil de 1968. El Apando era el lugar adonde eran llevados los internos que protagonizaban una pelea y permanecían en ese lugar por varios días o hasta semanas, en condiciones peores de las existentes en las celdas comunes. Crítica: Planeta Prohibído – Forbidden Planet (1956) de Fred M. Wilcox
Fuente:
19 junio, 2012 Jesús Fariña Hernández TUMBAABIERTA: http://tumbaabierta.com/critica-planeta-prohibido-forbidden-planet-1956-de-fred-m-wilcox/
Tras dirigir las aventuras del perro más célebre de la historia del cine como fue Lassie en los títulos Lassie, la cadena invisible (1943) y El coraje de Lassie (1946), Fred M. Wilcox cambiaría de tercio para realizar este clásico esencial de la ciencia ficción y principal fuente de inspiración para realizadores de la talla de George Lucas o Gene Roddenberry (progenitor de la saga televisiva «Star Trek«).
Ingmar Bergman, director de verano
Fuente:
12/08/2018 Alberto Hernando Revista Mutaciones: http://revistamutaciones.com/un-verano-con-monica/
Quien piense en Bergman como en un director existencialista e invernal es que no ha visto Un verano con Mónica. Ingmar Bergman nació hace ahora 100 años, en verano, y murió en la misma estación 89 años más tarde; entre ambos veranos, dejó medio centenar de películas donde apostaba por los juegos y las sonrisas de verano, por las parejas de cómicos y de criados, las enfermeras, la juventud… y las ganas de vivir, incluso en las reflexiones más lúgubres de sus últimos años. Un verano con Mónica (1953) no posee esa carga reflexiva y existencialista que hizo célebre al director de Persona (1966) pero, más que empobrecerse por ello, muestra abiertamente el corazón de una obra que se fue cubriendo de nuevas capas y máscaras con las que conocerse mejor.
Ciencia-ficción: 'El planeta salvaje', de René Laloux
Fuente:
22 de Marzo del 2014 SERGIO BENÍTEZ ESPINOF: https://www.espinof.com/criticas/ciencia-ficcion-el-planeta-salvaje-de-rene-laloux
Poder señalar de forma precisa lo que de fascinante hay —y hay en abundancia— en 'El planeta salvaje' ('Le Planéte Sauvage', René Laloux, 1973) no es tarea sencilla. Filme de culto de la ciencia-ficción de los años setenta y sorprendente ganadora del Premio Especial del Jurado en la edición del Festival de Cannes del año de su estreno, sí que es relativamente fácil inferir que el funcionamiento de esta extraña y surrealista producción cinematográfica se debe a la suma de unas partes que, analizadas por sí solas, no hubieran venido en poder ser consideradas en los mismos términos que el todo.
Nobuko (1940) de Hiroshi Shimizu Fuente: El Gabinete del Doctor Mabuse: https://elgabinetedeldoctormabuse.com/2020/03/24/nobuko-1940-de-hiroshi-shimizu/ Desde hace años no me canso de repetir siempre que tengo la ocasión (y también cuando no viene a cuento) que Hiroshi Shimizu es probablemente el gran director por descubrir del cine japonés y uno de los más injustamente olvidados de la historia. Pero, cosa curiosa, al mismo tiempo que afirmo esto, reconozco también que Shimizu no es un director de grandes películas. Obviamente, tiene obras magistrales, pero el grueso de lo que he visto de su carrera no tiene títulos que destaquen a primera vista tanto como sí sucede con las filmografías de Kurosawa y Mizoguchi, repletas de obras impactantes. Incluso cineastas menos vistosos (al menos a primera vista) con los que tiene mucho más en común como Ozu o Naruse tienen un generoso puñado de títulos con los elementos necesarios para otorgarles el estatus de clásicos. Y no obstante, a la hora de reivindicar a Shimizu no encuentro tantas películas que den esa sensación de grandeza artística.
Ultimátum a la tierra (The day the earth stood still, 1951) de Robert Wise
El hombre que vino de las estrellas le dice a la mujer que si alguien le hiere gravemente debe ir a ver a su compañero, un enorme robot que es una fuerza destructora y decirle solo unas palabras: Klaatu barada niktoh. Klaatu viene en son de paz, bueno, más bien a avisar de la próxima destrucción del mundo como los hombres no se calmen en sus paranoias, miedos y confrontaciones. El hombre de las estrellas trata de dar su mensaje profético a los grandes mandos de los países del mundo a través de Naciones Unidas, misión imposible. Después logra contactar con los científicos del mundo para que ellos a su vez transmitan el mensaje. El miedo a lo desconocido, y también como dice Klaatu, una humanidad que se rige más por el temor que por la razón (… algo totalmente de actualidad), hace que el hombre de las estrellas no sea muy bien recibido y que por supuesto vea continuamente su vida en peligro…
Las zapatillas rojas (The Red Shoes, 1948), de Michael Powell y Emeric Pressburger.
Fuente:
15/11/2016 Ricardo Pérez Quiñones Esculpiendo el Tiempo 2.0: https://esculpiendoeltiempo.com/2016/11/15/las-zapatillas-rojas-the-red-shoes-1948-de-michael-powell-y-emeric-pressburger/ “El arte no es algo que se pueda tomar y dejar. Es necesario para vivir”.
Oscar Wilde
Victoria Page (Moira Shearer) es una talentosa bailarina que entra a formar parte de una gran compañía de ballet dirigida por Boris Lermontov (Anton Walbrook), un empresario exigente y apasionado de la danza. Allí conoce a Julian Craster (Marius Goring), el joven compositor del que se enamora, y que concibe para ella la música del ballet Las zapatillas rojas, inspirado en el cuento de hadas clásico de Hans Christian Andersen. Ante los celos que esta relación provoca en Boris, pronto Victoria se ve obligada a elegir entre su amor por el arte o su amor por Julian.
La femme qui se poudre (Patrick Bokanowski, 1970-1972)Fuente: 28 de junio de 2006 Aurélien Portelli Mecánica de Cine: http://mecaniquefilmique.blogspot.com/2006/06/la-femme-qui-se-poudre-patrick.html La femme qui se poudre es el primer cortometraje experimental del artista plástico Patrick Bokanowski, filmado en blanco y negro y en 16 mm. Un fondo negro oscurece los contornos del marco, en el que aparece un alo luminoso en el que evolucionan varios personajes con una apariencia grotesca. El campo de la película se percibe a través de un velo vaporoso que refuerza la extrañeza del trabajo, mientras que las numerosas superposiciones y animaciones le dan a la cinta una atmósfera de ensueño. Los ejes son variados y la escala de los planos es extrema. El montaje alterna los primeros planos, que revelan rostros deformados y tomas de una unidad grande, donde se pierde una silueta distante.
Waltz with Bashir
Al encuentro (horroroso) de las imágenes
Waltz with Bashir es una película particular desde varios puntos de vista. Es una película de animación, pero es también un documental. Es una película de animación documental que incluye también imágenes, cómo llamarlas, ¿reales?, ¿documentales? Llamémoslas “de archivo” no animadas. Es una película documental de animación cuya propia realización es parte fundamental del relato. Es también una película documental de animación que narra los intentos de un ex miembro de las fuerzas militares israelíes por recuperar la memoria de su presencia en el ataque al Líbano en 1982, específicamente en la invasión conocida como la “masacre de Sabra y Shatila”. Si bien la matanza fue perpetrada por miembros de un grupo cristiano armado libanés, ésta fue llevada a cabo gracias a la complicidad y anuencia de la milicia israelí que controlaba los campos de refugiados invadidos. Es, entonces, desde esta perspectiva, la mirada del victimario, del atacante, que intenta entender, que no justificar, qué hacía allí y cómo.
El extraño caso del doctor Fausto (1969)Fuente: 18 de Enero del 2019 Cinefília Sant Miquel: http://cinefiliasantmiquel.blogspot.com/2019/01/el-extrano-caso-del-doctor-fausto-1969.html En el fulgor del alba el mundo ya se ofrece, Johann Wolfgang von Goethe Fausto (II parte, vv. 4686–4694) Traducción de Pedro Gálvez Estaba la prodigiosa década de los sesenta a punto de tocar a su fin, cuando Gonzalo Suárez hizo frente al que terminaría siendo su segundo largometraje (el estreno de Aoom, que, en un principio, estaba destinado a ocupar dicha posición, se acabó retrasando, sin embargo, por problemas de financiación). A caballo entre el barroquismo psicodélico y la exuberancia del arte pop, lo onírico y lo dionisíaco, El extraño caso del doctor Fausto rezuma la hilaridad consustancial de la Escuela de Barcelona, pese a que en determinados momentos también puede recordar al Cinema Novo brasileño, a la Nouvelle Vague francesa o incluso hasta al Pasolini de Edipo rey (1967).
Un viaje a la luna: George Méliès y la película que lo hizo leyendaFuente: Felipe Retamal N. 16 Jul 2019 Culto: https://culto.latercera.com/2019/07/16/un-viaje-luna-melies/ En 1902, el cineasta francés George Méliès presentó el filme que le daría notoriedad por sus efectos especiales y la clásica secuencia del cohete incrustado en el ojo del satélite natural de la Tierra. Enmarcado en los años de expansión colonial y desarrollo industrial, la cinta resume el largo y costoso estilo de trabajo del creador.
|
Categorías
Todo
Archivos
Julio 2020
|