La tribu (Plemya). Cine puro… y muy duro.
Fuente:
25 de Noviembre del 2015 Por Milenio III Revista Cinefagia http://www.revistacinefagia.com/2015/11/la-tribu-plemya-cine-puro-y-muy-duro/
El cine perfecto, el cine auténtico, fue originalmente concebido como la representación pictórica de un cuerpo en movimiento, siendo esta ilusión del movimiento la base para su evolución mediática. Por lo tanto, el elemento verbal de la dramaturgia y, más aún, la noción de relatar historias, son ingredientes posteriores en el desarrollo de las películas silentes, con la incorporación de intertítulos de diálogos, hasta la llegada del sonido, que incorpora el diálogo como herramienta para explicar o más bien para ocultar lo que bien siempre podrá ser representado con otra imagen bien creada. Así pues, el mal uso de la palabra hablada en la narración cinematográfica da por hecho que la verdad está en las acciones y la mentira está en los diálogos.Haz clic aquí para editar.
«Cuando fuimos brujas» (The Juniper Tree): Un cuento feminista y macabro
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14 de Noviembre del 2019 Por Daniel Farriol Cinema Gavia: https://cinemagavia.es/cuando-fuimos-brujas-pelicula-critica/
Cuando fuimos brujas (The Juniper Tree), curioso y gratificante reestreno de una película bastante desconocida de los años 90 a reivindicar, dirigida por la estadounidense Nietzchka Keene y que supuso en debut como actriz de Björk. Una película que en su momento cosechó cierto éxito crítico pasando por más de una veintena de festivales de todo el mundo. Estreno (Reestreno): 8 de Noviembre de 2019.
La película Cuando fuimos brujas (The Juniper Tree), pudo verse en el Festival de Sundance en 1991, ganó el Prix du Public en el Festival des Films des Femmes de Montreal en 1990 y fue considerada la Mejor Ópera Prima en el Festival Internacional de Cine de Troia (Portugal) en 1991. Kids «vidas perdidas»
En esta entrada hablare acerca de un película, y si, incluye skateboarding. Esta película fue dirigida por Larry Clark lanzada en 1995. A diferencia de otras películas no se muestran patinetas de hierro, ni hazañas heroicas es mas bien un reflejo de un entorno juvenil de fines de siglo.
La Doble Vida de Verónica de Krzysztof Kieslowski
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7 de Marzo del 2011 Filmoteca Sant Joan D´alacant http://lafilmotecadesantjoan.blogspot.com/2011/03/la-doble-vida-de-veronica-de-krzysztof.html “La Doble Vida de Verónica es una película sobre la sensibilidad, presentimientos y relaciones que son difíciles de nombrar, que son irracionales.”
Krzysztof Kieslowski,
extraido de su autobiografía “Kieslowski on Kieslowski”, Faber & Faber.
Con La Doble Vida de Verónica (La Double Vie de Véronique, 1991), Krzysztof Kieslowski parecía dar un paso más en la búsqueda constante de una realidad intangible, a través de lo más íntimo, en este caso, las emociones puras y la mística.
Y todo ello, tiene una lógica explicación; lógica, dentro de lo posible en términos de intimidad y emociones puras. Häxan. La brujería a través de los tiempos (Documental)
Fuente:
10 de Agosto del 2019 PUNTO CRÍTICO https://puntocritico.com/ausajpuntocritico/2019/08/10/haxan-la-brujeria-a-traves-de-los-tiempos-documental/ “Por favor, permite que me presente
Cuando Benjamin Christensen rodó Häxan en 1922(1) el diablo ya llevaba miles de años hollando la tierra. Las primeras imágenes de la película, muestran algunas de sus primeras encarnaciones conocidas, pero es seguro que hubo muchas más. La figura del diablo ha servido durante siglos para explicar tanto lo inexplicable como aquello que no queríamos asumir, nuestra propia oscuridad interna. Dicho de otra forma, Satán y todos sus otros avatares se han utilizado como la más común de las cortinas de humo, la tapadera más vulgar y a la vez elaborada para cometer los crímenes más horribles. El filme de Christensen se entrega con pasión a la noble tarea de tirar de la manta y dejar al descubierto la mentira del diablo y todas sus implicaciones. Con un estilo que resulta cercano al de un ensayo, hablando directamente al espectador mediante los abundantes intertítulos, Christensen nos ubica en un mundo, el del medievo, en el que el Maligno era real, y pone el foco en la brujería: la representación del poder infernal en la tierra.
Poética de la basura
El cine de Harmony Korine
Fuente:
Por Diego Ruiz Correspondencias http://correspondenciascine.com/2018/09/poetica-de-la-basura-el-cine-de-harmony-korine/
Destrucción porque se siente bien, porque estamos culturalmente enfermos. Destrucción porque creemos que el progreso y la evolución son siempre positivos, porque creemos que estamos mejor que nunca. Destrucción porque somos estafados por la perfección. Destrucción porque decidimos ignorar el poder que el cine tiene sobre la construcción de la identidad de cualquier sociedad. Destrucción porque vivimos en otro lugar, porque soñamos el sueño de otro país. Destrucción total porque escuchamos balazos por la noche y leemos sangre por la mañana. Destrucción porque nos destruimos día a día. Destrucción porque crecimos rodeados por el ruido, porque ahí nos sentimos cómodos. Destrucción porque es necesaria y porque se siente bien.
Existe una oscura teoría sobre la película "Labyrinth" que no te va a dejar indiferente
Fuente:
3 de Marzo del 2017 Por Aitor Fernández La Vanguardia: https://www.lavanguardia.com/cribeo/cultura/20170303/47414623295/existe-una-oscura-teoria-sobre-la-pelicula-labyrinth-que-no-te-va-a-dejar-indiferente.html
Todos (o casi todos) hemos visto esa infravalorada obra maestra que es “Labyrinth” (“Dentro del laberinto”, en España). Protagonizada por el cantante David Bowie y una adolescente Jennifer Connelly, cuenta la historia de Sarah (Connelly), una joven que debe recorrer un laberinto para rescatar a su hermano pequeño, Toby, que ha sido secuestrado por unos duendes (“goblins”) y está en manos del poderoso rey Jareth (Bowie). Dirigida por Jim Henson, padre de los Teleñecos, y producida por George Lucas; la película fue un auténtico fracaso en taquilla, pero se ha convertido en obra de culto.
Fuente:
8 de Septiembre del 2014 El blog de Ethan: http://elblogdeethan.blogspot.com/2014/09/sin-techo-ni-ley-sans-toit-ni-loi-de.html
Septiembre, el fin de las vacaciones, los últimos días de verano y… el festival de Venecia. Este año no ha habido muchas sorpresas, al parecer el premio estaba cantado y el León de Oro se lo ha llevado una cinta sueca que maravilló a todo el mundo en su estreno: A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existente de Roy Andersson. Pero no vamos a hablar de la flamante ganadora de La Mostra sino de otra película que ya obtuvo el galardón hace casi treinta años.
#881. Chung Hing sam lam / Chungking Express (Wong Kar Wai, 1994)
Fuente:
29 de Enero del 2016 Por Nicolás Ponisio 1001 Películas: https://las1001peliculas.com/2016/01/29/881-chung-hing-sam-lam-chungking-express-wong-kar-wai-1994/
Tiempo y espacio funcionan en Chungking Express como los cupidos de turno que intentan aproximar entre sí a las almas solitarias. Wong Kar-wai les otorga identidad a lo largo de dos historias independientes que solo tienen por unión y punto de encuentro al local de comida al paso Midnight Express.
B-Movie - Lust & Sound in West-Berlin 1979-1989 de Jörg A. Hoppe, Heiko Lange, Klaus Maeck (2015)23/4/2020
[Crítica] ‘B-Movie: Lust & Sound In West Berlin’: La ciudad a la que iban los locos
Fuente:
22 de Septiembre del 2015 Por Carolina Velasco Canino: https://www.caninomag.es/critica-b-movie-lust-sound-in-west-berlin-la-ciudad-a-la-que-solo-iban-los-locos/
Ahora es la capital de Europa, pero los 80 era una ciudad dividida, llena de miseria y de artistas con un tornillo flojo: la película de Mark Reeder deja testimonio de unos años en los que Nick Cave, Blixa Bargeld y otros dementes paseaban a la sombra del Muro.
Berlín se ha convertido en la tercera ciudad más visitada de Europa: casi 14 millones de turistas han pisado la capital alemana en la primera mitad de año y parece cuestión de tiempo que la puerta de Brandeburgo sea tan fotografiada como la Torre Eiffel o el Big Ben. En cuanto asoman los primeros rayos de sol, miles de turistas atestan las calles de la capital alemana, y buena parte lo hacen atraídos por la permisividad y oferta casi ilimitada de ocio que ofrece la ciudad (para que el lector se haga una idea, en una misma semana coincidirán en la ciudad los conciertos de Joanna Newsom y Julia Holter, algo que en España sería impensable, pero que aquí sucede con frecuencia). Este flujo de visitantes se inauguró en 1989: con la caída del Muro, la ciudad se convirtió en una tierra de nadie en la que todo era posible: búnkers y fábricas abandonadas reconvertidas en clubs, okupación tolerada por las autoridades y la sensación de que todo era posible. No era la primera vez que Berlín seducía a visitantes de todo el mundo: durante la República de Weimar la ciudad atrajo a a personajes tan dispares como Aleister Crowley o Christopher Isherwood. Pero hubo un tiempo en que sólo los locos querían ir a Berlín.
La directora mexicana Issa López nos dijo en entrevista que nunca había recibido tan buenas críticas con una película hasta Vuelven (ella también es la realizadora de Efectos secundarios y Casi divas), y no es para menos. Su nuevo proyecto es una historia cruda, socialmente realista y vigente pero con vericuetos fantásticos y terroríficos que inmediatamente remiten al cine de Guillermo del Toro, particularmente a El espinazo del diablo y El laberinto del Fauno. (Ve aquí un recuento de la filmografía del realizador mexicano).
Evolution (Lucile Hadzihalilovic)
Fuente:
26 de Septiembre del 2015 Por Josué Castellano Cine Maldito: https://www.cinemaldito.com/evolution-lucile-hadzihalilovic/
Muchos son los directores que, tras pasar por la sección de Nuevos Directores alzándose o no con el premio, vuelven a San Sebastián en otra nueva edición con un trabajo más profesional, maduro y fruto del apoyo y errores que la crítica y el público les hacen llegar. Si nos remontamos al 2004 y tiramos de archivo, Lucile Hadzihalilovic se alzó con el premio de los directores noveles por su película Innocence. El salto es enorme y cuantitativo, pues este año su nombre aparece sellado en la Sección Oficial con Evolution. Tengo que reconocer que cuando eché un vistazo a las películas que competían por la Concha de Oro me obcequé con el filme de Hadzihalilovic, pensaba que tenía posibilidades, que me estaba encontrando de frente con algo muy grande, que salía el mar.
Vampyr, la bruja vampiro
Fuente:
Mayo 2016 Por David Vericat Cinema Esencial: https://cinemaesencial.com/peliculas/vampyr-la-bruja-vampiro
"Esta historia es sobre las extrañas aventuras de Allan Gray, que se vio inmerso en el estudio del vampirismo y del satanismo. Preocupado por las supersticiones del siglo pasado, se coinvirtió en un soñador para el que la línea entre lo real y lo sobrenatural estaba borrosa. Uno de sus paseos sin rumbo le llevó una noche a una posada junto al río en un pueblo llamado Courtempierre"
Fruto del Paraíso (Věra Chytilová, 1969)
Fuente:
Junio 2018 Por Stefan Solomon Senses of Cinema: http://sensesofcinema.com/2018/cteq/fruit-of-paradise-vera-chytilova-1969/
Tras lo que es, con mucho, su película más conocida, Sedmikrásky ( Margaritas , 1966), Věra Chytilová se embarcó en un nuevo proyecto, cuya producción estaría conformada por fuerzas internas y externas por igual: por un lado, por el director compromiso con una especie de abnegación inquieta, la búsqueda de un nuevo estilo para cada trabajo sucesivo; Por otro lado, por el breve florecimiento y el marchitamiento mucho más largo de la Primavera de Praga, que dio paso a la prolongada "normalización" de la sociedad checoslovaca, y que también vería a Chytilova excluido de hacer otra película hasta 1975.
Gummo (Harmony Korine)
Fuente:
13 de Septiembre del 2012 Por Pablo Von Pelluch Cine Maldito: https://www.cinemaldito.com/gummo-harmony-korine/
Gummo es la primera película de Harmony Korine, obra que rodó a la ridícula edad de 24 años.
Es habitual que llegue a Gummo el espectador en busca de experiencias fuertes. El buscador de gore y violencia extrema probablemente sea decepcionado. Contrastará esta decepción con el asombro del que busque una película perturbadora en otros aspectos: es probablemente lo que llevaba años buscando. No se suelen ver debuts tan agresivos como el de Gummo (aunque viene a la mente Begotten (E. Elias Merhige, 1991)) y a veces uno tiene la tentación de preguntarse por qué. ¿Por qué no todos los films de jóvenes debutantes pueden mostrar la rabia y el ruido de Gummo? Es probable que la respuesta se encuentre en algo tan aburrido de analizar como es «la industria». Abandonemos el tema y tratemos la cinta que nos ocupa. Cine insumiso: Hiroshima (Japón, 1983)
Fuente:
28 de agosto del 2008 Por Rafael Uzcátegui Perdido en Itaca: https://rafaeluzcategui.wordpress.com/2008/08/28/cine-insumiso-hiroshima-japon-1983/
En 1973 la revista semanal japonesa Shonen Jump comenzó a publicar la historieta “Hadashi no Gen” (Gen descalzo), un relato del mangaku Keiji Nakazawa acerca de sus propias vivencias como sobreviviente del bombardeo atómico sobre Hiroshima. Nakazawa ya había publicado otros mangas sobre el horror atómico que obligó la rendición de Japón en la Segunda Guerra Mundial, pero fue en Gen descalzo en donde desplegó todas sus habilidades como ilustrador y narrador, logrando una obra conmovedora y de calidad. El éxito del manga hizo que fuera la primera historieta editada fuera de Japón, a finales de los 70´s, y que sea un texto obligatorio para la enseñanza de la historia tanto en las escuelas como en las universidades niponas.Haz clic aquí para editar.
GOZU, EL CAMINO A LA LOCURA
Fuente:
5 de Febrero del 2017 Asian Madness: https://asian-madness.blogspot.com/2017/02/gozu-el-camino-la-locura.html
¡Buenas tardes amantes de lo asiático!
Volvemos a hablar de una película de Takashi Miike, una muy loca, más de lo normal, que ya es decir. Una película que en su día me dejó perplejo sobretodo por su inicio realmente extaño e inquietante y que con el paso de los minutos se hacía aún más interesante debido al desconocimiento de todo lo que rodeaba a nuestro personaje principal, un yakuza con paranoia extrema. Así que podríamos considerar esta película como de un solo protagonista en medio de un viaje a la locura. “Koroshi No Rakuin” (“Marcado para matar”) de Seijun Suzuki
Fuente:
Bromuro de Plata: https://bromurodeplata.wordpress.com/2017/09/06/koroshi-no-rakuin-marcado-para-matar-de-seijun-suzuki/
Hanada es un asesino tan eficiente que desde un sótano mete su pistola en la boca de una cañería y cuando dispara atina a su víctima quién, que casualidad, justo en ese momento asoma su rostro en el lavabo para recibr la bala. Los dotes de Hanada cómo asesino son significativos, pero al inicio del filme solo le son suficientes para estar en el tercer lugar del ranking de asesinos de la misteriosa organización – tácitamente yakuza – para la que trabaja. En secreto aspira a convertirse en el Número Uno, posición tan prestigiosa que el depredador que la ostenta es un sujeto de identidad desconocida quién es referido cómo un “fantasma”.
El silencio del mar
Fuente:
10 de Diciembre del 2013 Por Cristina Álvarez López Transit: http://cinentransit.com/el-silencio-del-mar/ “Y hablábamos solo para romper el silencio del mar”.
La canción del viejo marinero, Samuel Taylor Coleridge
I. Silencio/Soliloquio
La acción de El silencio del mar (Le silence de la mer, 1949) tiene lugar durante la Ocupación. En un pequeño pueblo francés, un hombre (Jean-Marie Robain) y su sobrina (Nicole Stéphane) se ven obligados a alojar en su casa a Werner von Ebrennac (Howard Vernon), un soldado alemán, pero se niegan a dirigirle la palabra. En manos de Jean-Pierre Melville, esta constreñida premisa argumental desemboca en un filme extremadamente cargado y tenso, donde el minimalismo narrativo y estilístico se convierte en fuente de incesante experimentación cinematográfica y en brote de complejas implicaciones semánticas. Drácula (Tod Browning, 1931)
Fuente:
29 de marzo del 2010 Por Pau Roldan CasaHorrores: https://casahorrores.com/dracula-tod-browning – Listen to them… Children of the night. What music they make!
En toda la Historia del Cine, la novela que Bram Stoker publicó en 1897, y por la cuál siempre sería recordado, ha sido adaptada en innumerables ocasiones, a menudo con brillantes resultados. El genio alemán Friedrich W. Murnau inició la veda allá por 1922 con su «Nosferatu: eine symphonie des grauens», clásico del expresionismo alemán y, aún hoy, una de las películas más terroríficas que se hayan rodado nunca. La «casa del terror», la Hammer, se aproximó de nuevo al mito en los cincuenta y los sesenta, donde destacaron por encima de todo «Horror of Dracula» (1958) y «Dracula: Prince of Darkness» (1966), ambas con los emblemáticos Terence Fisher tras la cámara y Christopher Lee tras la capa, aunque, por supuesto, películas como «Taste the Blood of Dracula» (Peter Sasdy, 1970), también de la Hammer, merezcan igualmente especial mención. Werner Herzog rescataba, en 1979, el clásico de su compatriota Murnau en la magnífica «Nosferatu: Phantom der Nacht», donde Klaus Kinski revivía el personaje de aquella casi demoníaca interpretación que Max Schrek había ofrecido al público alemán casi 60 años atrás. No sería hasta 1992 cuando volveríamos a ver al Conde en absoluta grandeza, con la fiel aproximación que Coppola dirigió y Gary Oldman interpretó. Sin embargo, ni Max Schrek ni Christopher Lee, ni siquiera tampoco Terence Fisher o el mismísimo Murnau, han podido nunca desbancar a los veraderos padres de Drácula en el cine. Drácula es y siempre ha sido uno: Bela Lugosi.
El Doctor Frankenstein
Fuente:
9 de abril del 2013 Por Gabriel Menéndez Piñera Historias del Celuloide https://historiasdelceluloide.elcomercio.es/2013/04/el-doctor-frankenstein.html?ref=https%3A%2F%2Fwww.google.com%2F
Si hay una imagen mítica en la historia del cine de terror es la del actor Boris Karloff, caracterizado como la criatura creada por el doctor Frankenstein, en esta maravillosa película. Han pasado más de ochenta años desde que en 1931, el director británico James Whale junto con el maquillador Jack Pierce y el propio Karloff creasen uno de los iconos culturales del siglo XX, sin embargo su visionado hoy día sigue siendo un disfrute para los sentidos. Así esta película, junto al Drácula de Tod Browning realizada en ese mismo año, craron los potentes cimientos a partir de los cuales se forjó un género muy particular: el cine cásico de terror de la Universal.
Santo y Blue Demon vs. Drácula y el Hombre Lobo
Fuente:
22 de Enero de 2005 El Santo Pan y Cine y El Santo https://panycine.blogia.com/2004/120903-santo-y-blue-demon-vs.-dr-cula-y-el-hombre-lobo.php El jorobado Eric invoca al Príncipe de las Tinieblas. "Es una mujer triste y romántica. Se enamorará de mí y la sacrificaremos con la próxima luna llena".
Aunque carece de los episodios sensuales de algunas películas anteriores, Santo y Blue Demon vs. Drácula y el Hombre Lobo tiene algunas escenas ´adultas´ que la pueden transformar en poco recomendables para los niños. Por ejemplo, al simpático profesor Cristaldi le cercenan muy gráficamente la garganta, para volver luego como zombie a enfrentarse a su pequeña nietecita (a quien más tarde la amenazará su propia madre, que se ha transformado en vampira). La trama también depende de Laura, de la que Cristaldi está perdidamente enamorado, lo que permite que Rufus Rex la seduzca como parte de la intriga de Drácula.
#829. Delicatessen (Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro, 1991)
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19 de Septiembre del 2014 Por Nicolás Ponisio 1001 Peliculas https://las1001peliculas.com/2014/09/19/829-delicatessen-jean-pierre-jeunet-marc-caro-1991/
Los alimentos que el carnicero Clapet (Jean-Claude Dreyfus) le brinda a su comunidad lejos estarán de ser una delicia como promete el nombre de su establecimiento. En tiempos de crisis lo lúgubre se hace lugar en un menú que consta de víctimas humanas y una pantalla entintada por sombras y tonos acromáticos que le dan forma a la miseria de los, paradójicamente, coloridos personajes. La tristeza de los mismos es acompañada por el absurdo y la excentricidad, lo cual hace florecer sus encantos.
Los ojos sin rostro (Les yeux sans visage, 1960), de Georges Franju.
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29/09/2016 Por Ricardo Pérez Quiñones Esculpiendo El Tiempo 2.0: https://esculpiendoeltiempo.com/2016/09/29/los-ojos-sin-rostro-les-yeux-sans-visage-1960-de-georges-franju/
París. El doctor Génessier (Pierre Brasseur) es un prestigioso cirujano plástico que, con la ayuda de su secretaria Louise (Alida Valli), está secuestrando a una serie de chicas jóvenes con el objetivo de trasplantar sus caras al deforme rostro de su hija, Christiane (Edith Scob), destrozado después de sufrir un grave accidente de tráfico del que él se siente responsable.
M, el monstruo social
Fuente:
N° 89 - Febrero 2018 Martín Paradelo El Espectador Imaginario: https://www.elespectadorimaginario.com/m-el-vampiro-de-dusseldorf/
Entrando la década de 1930, el cine sonoro no era solo una novedad técnica, sino que prácticamente se había convertido en una imposición de la industria a todos aquellos directores que quisieran mantenerse activos y en primera línea. El nuevo invento suponía también un desafío artístico y creativo al que los cineastas se enfrentaron desde diferentes perspectivas y actitudes. La aproximación de Fritz Lang puede considerarse una de las más interesantes y, claro está a estas alturas, que mejores resultados obtuvo. Y es que Lang lleva a cabo una producción extremadamente ambiciosa en todos los frentes, que hace del nuevo medio sonoro su razón de ser, y con la que logrará situarse a la cabeza de la vanguardia cinematográfica después de varios años de encadenar notables fracasos artísticos (ni Los Nibelungos, Metrópolis o La mujer en la Luna se acercan a lo mejor de su producción anterior). El resultado fue M.
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